ARTISTA CATHERINE ABEL

Como artista autodidacta, ¿cómo llegaste al punto en el que podías dedicarte a la pintura como carrera? La decisión de convertirme en artista a tiempo completo, de tratarlo como una profesión y no solo como un pasatiempo, fue en el año 2000, cuando me mudé a París. El arte es una profesión muy voluble; no hay garantías. No había garantías de que funcionara, de que mi arte fuera apreciado/aceptado y de que generara un ingreso para apoyar el avance de mi carrera. Pero fueron 10 años de sueño. Había querido pintar durante todo ese tiempo, pero primero tenía que criar a mi hija. Cuando finalmente tuve la oportunidad de comenzar, tenía miedo de dar ese primer paso, pero sabía que al dar un gran salto de fe, algo me ayudaría. Mi novio francés en ese momento se ofreció a llevarme a París y apoyarme en ese primer paso. Sabía que si no aprovechaba esa oportunidad, me arrepentiría por el resto de mi vida. Definitivamente ha valido la pena.
¿Qué obstáculos encontraste en el camino? Los obstáculos fueron mis propias dudas internas… Logré superarlas solo con pura fuerza de voluntad para tener éxito. Realmente tuve que confiar en mis propios instintos creativos.
¿Quién fue tu mentora o inspiración? Tamara de Lempicka, desde el momento en que vi su obra a finales de los años 80. Me quedé atónita. Se convirtió en la maestra que nunca tuve. Al principio, pasé mucho tiempo estudiando sus técnicas. Ahora creo que he ido más allá de su estilizada interpretación del Art Déco y he suavizado a mis mujeres más que ella. La gente está empezando a decirme que pinto mejor que ella, pero sé que eso nunca puede ser verdad. Ella es la maestra. Estoy agradecida de ser eternamente su alumna.
¿Por qué decidió vivir en París? La experiencia más sorprendente de París fue la saturación de arte y cultura que alimentó mis impulsos creativos. Desde pequeña me sentí atraída por París y por los artistas que vivieron allí en los años 20 y 30. Cuando era niña y hacía ballet, me inspiraban Anna Pavlova y Les Ballet Russes. Luego, cuando era adolescente, fueron los surrealistas y los cubistas –Picasso, Dalí, Tanguay– quienes me inspiraron para hacer mi arte. Pero todo lo que tenía eran imágenes e historias de libros. Me conmovió profundamente ver finalmente las pinturas de estos artistas en vivo en los museos de París y caminar por las calles que están tan vivas con los recuerdos de una era pasada que es fácil visualizar su presencia.
¿Qué te llevó a Estados Unidos? Un día, de repente, una galería de California me llamó para que me representara. Al principio, uno va adonde su carrera lo llama.
¿Qué sacrificios has hecho para poder pintar a tiempo completo? No mucho, en realidad. ¡Pero quizás el deseo de trabajar todo el tiempo! En serio, me gustaría tomarme más tiempo libre para viajar, recuperarme y regenerar el flujo creativo. Mi mayor desafío es mantener el equilibrio en mi vida. Soy una de esas artistas que se aísla del mundo para hacer su trabajo, pero eso tiene un precio: mi vida personal queda en suspenso. Desde que cumplí 40 años el año pasado, mi única promesa para la siguiente etapa del viaje es ser consciente de mantener el equilibrio. Permitir que la vida, el amor y el arte existan en igual medida.
¿Qué te inspira? Me apasionan los años 20 y 30: el arte, la moda y la fotografía, la arquitectura, las vidas de los artistas de esa época y sus luchas y el logro de sus sueños. Me apasiona el arte, por supuesto, es mi vida, pero soy muy específica sobre lo que me gusta y lo que no me gusta. No me gusta el arte por el arte y a veces puedo ser muy crítica, especialmente cuando es obvio que cierta obra de arte se ha producido desde un lugar de explotación debido a una tendencia actual en el mercado. Lo que más me conmueve es el proceso intrínseco de hacer arte y cómo cada artista expresa su diálogo interno de creatividad individualmente.
Las mujeres ocupan un lugar destacado en tus obras. ¿Ha sido una decisión deliberada? La inspiración y la representación de la belleza de las mujeres en el arte, el diseño y la decoración siempre ha existido y existirá. ¡Simplemente sigo una bella tradición!
¿Puedes describir el proceso de creación de una obra? Cada pieza lleva aproximadamente de 3 a 4 semanas para completarse. Después de hacer muchos bocetos para decidir las poses y el tema de una pieza en particular, hago una sesión de fotos con mi modelo y accesorios (es decir, chales antiguos, flores, etc.) y a menudo surge material nuevo de eso, ya que se convierte en un proceso cocreativo entre modelo y artista. Utilizo óleo sobre lino ( me gusta usar métodos, materiales y técnicas tradicionales ) y aplico capas de pintura en una técnica de veladura para dar un acabado sin pinceladas obvias. Me gusta el aspecto acabado y mezclado. Como los viejos maestros. Siento su espíritu conmigo mientras trabajo. Me encanta unir el pasado y el presente.
¿Cuál ha sido tu momento de mayor orgullo hasta ahora? Haber sido una de las finalistas en el concurso Archibald el año pasado. Como este era solo mi segundo año participando, no esperaba ser elegida como finalista en absoluto. El primer año presenté un cuadro de Katie Noonan y, aunque no fue elegido, fue seleccionado para el Salon des Refuses, algo que me entusiasmó mucho. El año pasado pinté a la autora Julia Leigh, que escribió un libro excepcional llamado The Hunter . Esperaba al menos poder entrar de nuevo en el Salon con este cuadro. ¡Estaba tan emocionada de recibir la llamada telefónica diciendo que había sido seleccionada como una de las finalistas que no pude concentrarme en nada durante el resto del día! Estaba tan orgullosa de ver el cuadro colgado en la exposición.

Imágenes cortesía de Catherine Abel